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¿Qué es la exposición fotográfica?

La exposición fotográfica es la cantidad de luz necesaria para crear una imagen en el soporte y se mide a través de 3 parámetros:

  1. Sensibilidad a la luz del soporte.
  2. Tiempo de exposición a la luz.
  3. El diafragma de tu cámara.

-El ISO controla la cantidad de luz que deja entrar la cámara y tiene un gran impacto en la oscuridad o la luz de las fotos, algo que puedes ajustar por razones técnicas o artísticas.

-La velocidad a la que se cierra el obturador de la cámara. Una velocidad de obturación rápida crea una exposición más corta —la cantidad de luz que capta la cámara— y una velocidad de obturación lenta brinda al fotógrafo una exposición más larga.

La apertura de diafragma es la abertura de la lente de la cámara, que está relacionada con la cantidad de luz que pasa a través del objetivo hacia el sensor de la cámara.

El mecanismo de apertura en la lente, que permite que entre más o menos luz, está formado por una serie de «aspas» opacas llamadas diafragma. Cuando las aspas están abiertas, el sensor de tu cámara capturará más luz, mientras que a medida que las aspas se cierran progresivamente, menos luz alcanzara tu sensor.

Una fotografía puede llegar a estar subexpuesta o sobreexpuesta. Las fotografías subexpuestas tienden a ser más oscuras ya que tienen menos luz, mientras que las sobreexpuestas tienen un alto nivel de luz.

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5 aspectos claves para producir contenido audiovisual digital efectivo

Anteriormente, los contenidos audiovisuales eran consumidos exclusivamente en soportes tradicionales, como la televisión y el cine. De hecho, las personas que conocemos sobre esta disciplina nos hemos formado en función de estos soportes tradicionales.

Hoy en día, sin embargo, hablar de audiovisual aborda opciones multimediales e hipermediales que nos enfrentan a un lenguaje audiovisual distinto y a una dinámica de consumo que no conocíamos, y tendemos a preguntarnos ¿cómo hacer productos de video efectivos en una época tan distinta?

Cuando hacemos una pieza audiovisual, sea del género, formato o para el soporte que sea, nuestro objetivo es que sea vista o consumida, pues si nadie la ve es como si no existiera.

Por lo mismo, es importante pensar en la experiencia de consumo, sobre todo en digital, en donde los espectadores visualizan el contenido desde una pantalla hipermedial que no solo sirve para ver videos: ahora nuestros videos no solo compiten con otros contenidos audiovisuales, sino también con contenidos escritos, fotográficos, aplicaciones, juegos y todo lo cabe hoy en una pantalla celular o de computador.

En el entorno digital se está compitiendo por la atención de los espectadores todo el tiempo, por lo que es clave tener en cuenta los aspectos básicos que definen los contenidos audiovisuales digitales:

Características de videos para redes sociales:

  • Montaje: normalmente es muy ágil y dinámico. Esto tiene el objetivo de llamar la atención rápidamente y de mostrarle al espectador lo que quiere ver rápidamente, pues eso es a lo que nos acostumbran las pantallas hipermediales. Por esto, el montaje que elegimos debe evitar espacios innecesarios dentro del relato que pueden hacernos perder la atención del usuario.

 

  • Audio: por lo general, los espectadores que ven un video desde una pantalla móvil, lo hacen en cualquier momento y en cualquier lugar y con el audio desactivado. Esto nos obliga a entregarle al usuario la opción leer el contenido en la medida que lo consumen. La mejor opción en estos casos es usar subtítulos “quemados”; es decir, añadidos dentro del proceso de postproducción o como archivo independiente, que reciben la mayoría de las plataformas. No hay que dejar pasar esta opción si lo que queremos es adaptarnos a la dinámica de consumo de nuestros espectadores.

 

  • Verticalidad: la mejor forma de visualizar contenido en un móvil es de forma vertical, porque es la manera en la que están diseñados los dispositivos. Cuando visualizamos un video horizontal en un celular se pierde detalle en la imagen. Para que no pase esto, el espectador debe girar la pantalla, lo cual implica un proceso adicional que debemos pedirle al usuario, y este paso de más puede hacerle perder interés en el contenido. En conclusión, generar contenido en formatos no optimizados para dispositivos digitales es un tiro en el pie que debemos evitar.

 

  • Enfoque: en cuanto a los temas a tratar en los contenidos digitales, se debe pensar siempre en aquellos que tengan diversos matices en la narrativa, pero un objetivo específico. Con esto quiero decir que es necesario alejarse de temas planos y genéricos para pensar, en su lugar, en temas con los que podamos contar una historia que cree conexión con el espectador, siempre a través de altibajos o picos narrativos.

 

  • Formatos: existen varios formatos para usar en contenidos editoriales o comerciales y que cubren diferentes objetivos de comunicación. Es importante conocerlos, entenderlos, saber cuál es nuestra intención de comunicación para elegir el que más fortalezca nuestra presencia y potencie nuestros mensajes y se ajuste a nuestras necesidades.
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¿Qué es una estructura narrativa?

¿Qué es una estructura narrativa?

Desde el punto de vista técnico, una estructura narrativa es el esqueleto de nuestra historia. Nos dice qué elementos usar, cuándo y dónde para poder generar la mayor empatía posible en las personas que escuchen, lean o vean nuestra historia.

Lo anterior se debe a que si nuestros espectadores sienten empatía hacia lo que se les cuenta, entonces sus reacciones serán genuinas y el mensaje que queramos transmitir quedará claro.

Cómo funcionan las estructuras narrativas

Es verdad que al seguir una estructura narrativa tendemos a vernos encasillados en contar las cosas de una forma aparentemente específica y es posible que esto haga que nuestra historia resulte similar a otra, este es el motivo por el cual muchos escritores se encuentran en contra de estos métodos. Sin embargo, los beneficios son mucho mayores.

Para empezar, las estructuras narrativas fueron diseñadas por expertos en la industria, cada pieza que las estructuras le sugieren a tu historia tienen un motivo y es algo que ha sido probado miles de veces con resultados positivos. A su vez, ayudan a brindarle coherencia a tu historia, conectar ideas y generar un cambio en tu protagonista.

Inclusive, ayudan a acabar con el tan famoso y temido bloqueo del escritor porque le brindan claridad a tu trama y al recorrido que tus personajes deben hacer.

Cómo lograr una estructura narrativa

Un ejemplo de lo que proponen las estructuras narrativas es que cada historia debe basarse en un planteamiento, una confrontación y una resolución. Esto parece algo básico, y lo es ya que inclusive esos son los fundamentos de la estructura de los 3 actos que ha sido usada desde los tiempos de Aristóteles hasta hoy en día y ha sido utilizada en todos tipos de narrativa, incluido el teatro.

A pesar de lo básico que suena y sus antecedentes, es sorprendente el número de historias que se olvidan de alguno de estos factores esenciales que sirven como la base. ¡Y las repercusiones de esto son evidentes!

Tipos de estructura que existen

Hay varias estructuras que se encargan de enfatizar cada uno de estos elementos, presentando una serie de pasos intermedios para detallar estos tres momentos básicos y proponiendo un orden en el que estos pasos deben suceder. Algunos ejemplos de esto son:

  • El Camino del Héroe
  • Save the Cat
  • – La estructura de los 7 pilares.

Esos momentos progresivos e indispensables que estas estructuras proponen y que deben suceder son conocidos como “beats” y son justamente los que tienen una connotación mayor a una escena y hacen que la historia avance. El mejor modo para saber si un beat funciona o no es eliminándolo. Si el beat funciona, la historia no debería funcionar sin él.

Cuenta una buena historia

Las historias no se basan solo en su trama. Una buena historia debe tener personajes claros, empáticos y que generen una reacción en los espectadores o de lo contrario el camino que recorran no nos será atractivo.

Se necesita que tu audiencia quiera que tu protagonista logre su meta y presente un cambio. Es por eso que las estructuras proponen a un tipo de protagonista que es el que se lleva usando desde que tenemos memoria.

Un ejemplo de esto se encuentra en el tipo de estructura llamado Save The Cat. Ese método fue creado por Blake Snyder debido a que él se dio cuenta de que las películas no se tratan sólo de una historia, sino de la forma en la que el público reacciona ante ellas.

Según se estudió sobre esto, lo que propone en cuanto a protagonistas es que este debe ser ya sea el mejor, el bueno, el gracioso, el que sufre o el que está en desventaja. Si tu protagonista cumple con mínimo una de estas características, las probabilidades de que tu audiencia lo apoye y quiera conocerlo aumentan considerablemente.

Como conclusión, sí es una realidad que una historia te propone el recorrido que un protagonista debe hacer y esto puede parecer limitante, pero la realidad es que es lo opuesto. Las estructuras están para ayudarnos y hacer que nuestras historias se vuelvan más claras y nuestros personajes más empáticos.

Hay que tomar en cuenta que si se desea producir algo comercial, lo más probable es que para poder vender una historia sea un requisito el seguir alguna de estas estructuras. Esto no significa que nuestra habilidad creativa se pierda o que nuestra historia deba volverse necesariamente predecible.

Cuando uno entiende la esencia de las estructuras, es completamente posible y recomendado el darles nuestra propia voz, estilo y asegurarnos de que sean utilizadas para contar lo que realmente queremos contar.

Necesitamos verlas más como un esqueleto que como un mapa. No son algo que debamos simplemente seguir paso a paso sin comprenderlas, son lo que hace que nuestra historia funcione y se mueva, pero jamás tienen la intención de hacer que pierda su esencia.

Como conclusión, aunque las estructuras son la base de nuestra historia y las debemos utilizar para brindarles coherencia, no podemos permitir que por seguirlas la esencia de lo que queremos contar desaparezca, por eso es que es necesario conocerlas mucho más allá de la superficie, tenemos que entender por qué cada existe cada beat y cuál es su finalidad, solo así podremos adaptarlos a lo que realmente queremos contar.

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Los mejores programas de edición de vídeo de 2022 para aficionados y profesionales

Un software editor de vídeo profesional debe cubrir cada vez más funciones para satisfacer diversas necesidades, ya sea una resolución de 4K, impresión de profundidad para películas en 3D o grabaciones de 360° para vídeos de RV (realidad virtual). Dado que el hardware correspondiente se encuentra, cada vez más, en manos privadas, también los aficionados necesitan programas de edición de vídeo con los que poder editar fácilmente dicho material de vídeo.

Adobe Premiere Pro

Adobe Premiere Pro es actualmente uno de los mejores programas de edición de vídeo y ofrece numerosas posibilidades para la postproducción profesional. Su claro diseño se subdivide en diferentes áreas de trabajo. Creative Cloud permite a usuarios con diferentes tareas trabajar juntos en el mismo proyecto. Lo que a Premiere Pro le falta en opciones de efectos, se compensa con plugins bien integrados de otros programas. Gracias a los numerosos tutoriales y a un diseño claro, incluso los cineastas aficionados pueden conseguir muy buenos efectos con este programa. Sin embargo, debido a un coste mensual relativamente alto, el programa es recomendable solo para profesionales.
 

 

Blackmagic DaVinci Resolve 17

DaVinci Resolve 17 está considerado como uno de los mejores programas de edición de vídeo del mercado. Resolve ha evolucionado desde un programa de edición no lineal perfectamente desarrollado con corrección de color inmejorable a una amplia plataforma de edición de vídeo. Resolve 17 te permite editar una gran variedad de formatos y obtener una vista previa de las producciones multicámara y de los paquetes de pistas marcadas en paralelo. Las herramientas de diseño inteligente te ayudan a ajustar perfectamente el sonido y la imagen, incluso para múltiples clips. Recomendamos la versión gratuita a los usuarios semiprofesionales.

Final Cut Pro

Final Cut Pro amplía constantemente su gama de funciones. Con edición de vídeo integrada de 360 grados, alta calidad de vídeo con buen rendimiento constante y una corrección del color mejorada, Final Cut Pro X es una opción convincente tanto para profesionales como para cineastas aficionados.

Comparativa de los mejores editores de vídeo en 2022

 
CriterioAdobe Premiere Pro 22.0Adobe Premiere Elements 2022Apple Final Cut Pro 10Blackmagic DaVinci Resolve 17
CostesEn suscripción mensual, alrededor de 36 €/mes. La suscripción anual es de 24 €/mes. El paquete completo con todas las aplicaciones de Adobe, alrededor de 60 €/mes

Alrededor de 100 €

Alrededor de 300 €Gratuita (DaVinci Resolve Studio por 299 €)
Recomendado paraUsuarios profesionales y semiprofesionalesPrincipiantes y avanzadosUsuarios semiprofesionales y expertosUsuarios profesionales, semiprofesionales y expertos
Sistema operativoWindows, macOSWindows, macOSmacOSWindows, macOS,linux
Banda de imagenIlimitadaIlimitadaIlimitadaIlimitada
Soporta realidad virtual 360°
Edición multicámara
Rastreo de movimiento (motion tracking)
Edición 3D
Soporta 4K
Formatos de vídeo3GP, 3G2, AAC, AIFF, AIF, Apple ProRes, ProRes HDR, ProRes RAW, ASF, ASND, AVC-Intra, AVI, BWF, CHPROJ, CRM, DNxHD, DNxHR, DV, GIF, H.264 AVC, HEIF, HEVC (H.265), M1V, M2T, M2TS, M2V, M4A, M4V, MOV, MP3, MP4, MPEG, MPE, MPG, MTS, MXF, Native MJPEGs, OMF, OpenEXR, R3D, Rush, VOB, WAV, WMV3GPP, AVI, AVCHD, H.264, codec Quicktime H264, HEVC, HEIF/HEIC, MOD, MPEG-1, MPEG-2, MPEG-2 Transport Stream, MPEG-4 (exportation uniquement), QuickTime, DVD, WMVApple Animations-Codec, Apple Intermediate Codec, Apple ProRes (alle Versionen), AVCHD, AVC-Ultra, Canon Cinema RAW Light, DV, DVCPRO HD, H.264, HDV, HEVC, iFrame, Motion JPEG, MPEG IMX, QuickTime-Formate, REDCODE RAW, Unkomprimiertes 8-Bit und 10-Bit 4:2:2, XAVC, XDCAM HD/EX/HD422, XF-AVC, XF-HEVC
ArriRaw, AVC HD, AVC Intra HD, AVCHD, AVI, CINE, CinemaDNG, Cinema RAW Light, Cinema RAW, Cineon, DNG, DPX, easyDCP, JPEG, JPEG 2000, MPEG 2, MP4, MXF OP-Atom und OP1A, Nikon RAW, OPEN EXR, QuickTime
Soporta HEVC
Permite compartir en las redes sociales
 
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QUÉ ES LA APERTURA DEL DIAFRAGMA DE TU CAMARA

¿QUÉ ES?

La apertura del diafragma es la encargada de regular la cantidad de luz que pasa por el objetivo hacia el sensor de la cámara. Funciona igual al iris del ojo humano, es decir que se abre o se cierra según la cantidad de luz que haya en el ambiente.

El diafragma hace parte del objetivo, no del cuerpo de la cámara. Por este motivo, la apertura de diafragma puede variar según el objetivo que estés utilizando.

¿QUÉ ES EL NÚMERO F Y CÓMO SE INTERPRETA?

La apertura del diafragma se mide por medio del número f. Cuanto más bajo sea el número f/, más luz entrará a través del objetivo; y cuanto más alto sea el número f/, menos luz entrará a través del objetivo. 

Por otro lado, el número f te permitirá saber la apertura de diafragma máxima de un objetivo. Cuando un objetivo es considerado luminoso, es porque la apertura de diafragma máxima es muy grande,  un ejemplo es a partir de f/2.8.

PASOS DEL DIAFRAGMA

Los pasos son el salto de un número f al siguiente. Sí observamos la imagen anterior se podría decir que entre f/2 y f/2.8 hay un paso, mientras que entre f/2 y f/4 hay dos pasos.

Cada paso hacia arriba en la escala, significa que estás dividiendo por dos la cantidad de luz que entra a través del objetivo. (Por ejemplo f/4 dispone de la mitad de luz que f/2.8). Por el contrario, cada paso hacia abajo que des en la escala, significa que estarás multiplicando por dos la entrada de luz respecto al paso anterior. (Por ejemplo f/8 dispone del doble de luz que f/11).

Ahora bien, existen pasos de diafragma que no aparecen en la imagen anterior porque no todos los objetivos tienen la misma cantidad de numeraciones f. Números como f/3.5 o f/5 son números f que se encuentran entre los diferentes pasos ya mencionados y, por lo tanto, son considerados como pasos intermedios.

LA APERTURA DEL DIAFRAGMA Y LA PROFUNDIDAD DE CAMPO

La profundidad de campo tiene relación con la parte de la imagen que podemos apreciar como nítida o enfocada, es decir, la zona por delante y por detrás del sujeto u objeto que hemos enfocado y que nuestro ojo ve con una nitidez aceptable.

La profundidad de campo depende de una combinación de tres variables:

  1. La apertura de diafragma con la que trabajemos.
  2. La distancia focal que estemos utilizando.
  3. La distancia a la que estemos del objeto que estamos enfocando en la escena.
 
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Tipos de lentes de cámara

Una buena toma es la combinación perfecta del ángulo,composición, iluminación y profundidad de campo. Todos estos componentes visuales se ven afectados directamente por los tipos de lentes de cámara que el o la fotógrafa escoge.

Veamos los tipos de lentes de cámara y los efectos que causan cada uno en el storytelling de tus fotografías y videos.

Primero… ¿Cómo funciona un lente?

La luz pasa por la apertura del lente(diafragma) y luego cruza diferentes “cortinas de cristal” llamadas elementos del lente que se encuentran dentro de él. Estos elementos desvían o refractan la luz que pasa por ellos. La luz aterriza en el punto focal que se encuentra sensor de la cámara y ahí es creada la imagen.

Lentes “prime” (distancia focal fija) o lentes “zoom”

Los lentes se dividen en dos grandes categorías: los lentes que tienen una sola distancia focal o “prime lenses”(18mm, 50mm, 70mm) o los lentes zoom que pueden variar su distancia focal (18-55mm, 24-105mm, 70-300mm) ajustando los elementos del interior del lente.

Los lentes de distancia focal fija tienen menos elementos que los zoom, por lo que pueden producir imágenes más nítidas, y pueden tener una apertura (diafragma) más abierta, lo que hace que pueda entrar más luz, tener una profundidad de campo menor y hacer tomas en ambientes más oscuros.

Pero, aunque los lentes zoom tienen diafragmas más cerrados, te dan la flexibilidad de hacer diferentes planos (long shot, full shot, close up) con un sólo lente.

Distancia focal

Cada lente se distingue por la distancia focal expresada en milímetros.
La distancia focal es simplemente la distancia entre el centro óptico(encontrado en el centro del lente) y el sensor de la imagen.

Entre la distancia focal sea más grande, como 100mm, el ángulo de visión del lente es más estrecho. Entre más pequeña, como 24mm, el ángulo de visión es más amplio.

Vayamos de mayor a menor ángulo de visión.

Tipos de lentes de acuerdo al ángulo de visión

Lente Gran Angular o “Fish eye”

Los lentes gran angular tienen una distancia focal de 18mm a 24mm. Con ellos puedes hacer un retrato donde tengas a tu personaje en close up y al mismo tiempo ver su entorno. O puedes hacer que un espacio pequeño se vea más grande de lo que es realmente.
Algunos lentes tienen una distancia focal menor a 18mm y esto causa distorsión en la imagen, sobre todo en los bordes. Se les llama “fish eye”.
Los lentes “ojo de pescado” dan una perspectiva antinatural a la imagen al deformarla. Con ellos también puedes deformar los rasgos faciales en un retrato al estar muy cerca de tu personaje.
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Lente Angular

Si quieres un ángulo muy abierto pero sin una distorsión tan notable puedes optar por los lentes angulares. Estos tienen una distancia focal entre 24mm y 35mm.
Sirven perfectamente para capturar escenas con varios personajes o en donde quieres ver la relación del personaje con su entorno.

Lente Normal

Si en cambio quieres un look más “natural” es mejor que uses un lente estándar o normal. Los cuales van de 35mm a 50mm.
El ángulo de visión de estos lentes (entre 63º a 46º) se acerca más a cómo el ojo humano ve el mundo.

Esta es la elección ideal de lente cuando quieres una visión natural, sin deformaciones ni prejuicios de lo que estás retratando. Para que los espectadores lo vean “como con sus propios ojos”.

Lente Telefoto

Los lentes telefotos crean la sensación contraria.

Son aquellos que tienen una distancia focal de 70mm o más.
Comprimen el espacio, reducen la profundidad de campo, hacen que los personajes se sientan más cerca y funcionan para aislar a un personaje dentro de una multitud.
Usualmente son usados para capturar a personajes que se encuentran a una larga distancia de nosotros. Lo que hace sentir que estamos observando la escena desde lejos y puede dar un toque de clandestinidad o voyerismo a la imagen.

Distancia focal, ángulo de visión, normal, angular, telefoto, milímetros…

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Planos cinematográficos y sus uso

Los planos dentro del lenguaje audiovisual son:

  1. Primer Primerísimo Plano o Extreme Close Up (ECU)
  2. Primer Plano o Close-up (CU)
  3. Plano Medio Corto o Medium close up (MCU)
  4. Plano Medio o Medium shot (MS)
  5. Plano Americano o American Shot/Cowboy shot (AM)
  6. Plano entero o Full Shot (FS)
  7. Plano General o Long Shot (LS)
  8. Gran Plano General o Extreme long Shot (ELS)

En el mundo cinematográfico “plano” puede tener dos significados: plano es la unidad que comprende el conjunto de cuadros(fotogramas) en un emplazamiento desde que la cámara comienza a grabar hasta que la cámara termina de grabar.

Las películas están hechas de secuencias, las secuencias están hechas de escenas y las escenas están hechas de planos.

El segundo significado que se le da a “plano” y del que hablaré en este blogpost es que plano = tamaño de encuadre, es decir, es la porción de la construcción visual que la cámara recoge en relación a la figura humana.

El tamaño de plano ayuda a establecer el ritmo, el tono y el significado de una película.

Escoger el tamaño de plano correcto según la intensión dramática es una de las responsabilidades más grandes del director y del director de fotografía en un filme.

Te dejo algunos de los usos más comunes de los tamaños de planos cinematográficos

1. Extreme long Shot (ELS)

La cámara se emplaza muy lejos del sujeto en escena. Permite establecer el lugar geográficamente, la hora del día y muestra la escala de los sujetos en relación con su ambiente.

Su uso más común es como establishing shot que funciona para abrir una escena o la película en sí. Y también puede utilizarse como transición entre una escena y otra.

“Mad Mad: Fury Road” – Dir. George Miller (2015)

2. Long Shot (LS)

Aquí se muestra a el o los personajes más cerca que en el ELS pero sigue siendo lo suficientemente amplio para ver en que locación están y sobre todo para establecer la relación que tiene el personaje con su ambiente.

El establishing shot habla sobre locación. En el long shot o wide shot lo más importante es la escala del personaje. Puede usarse para que los personajes se vean solos o perdidos.

“Mad Mad: Fury Road” – Dir. George Miller (2015)

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“Ida” – Dir. Pawel Pawlikowski (2013)

3. Full Shot (FS)

Se muestra completamente al sujeto. Encuadrándolo de pies a cabeza.

Es efectivo para presentar en todo su esplendor a un personaje porque estás lo suficientemente cerca para ver su rostro pero también puedes ver su lenguaje corporal y detalles del vestuario.

“La naranja mecánica” – Dir. Stanley Kubrick (1971)

4. American Shot/Cowboy Shot (AM)

El personaje es encuadrado de la cabeza a las rodillas. Se llama plano americano o cowboy shot porque era empleado principalmente en los westerns ya que este plano revelaba el arma de los vaqueros de una forma adecuada.

En la actualidad no sólo se usa en los westerns sino cuando quieres presentar a un personaje como amenazante, peligroso y/o seguro.

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“La favorita” – Dir. Yorgos Lanthimos (2018)

5. Medium Shot (MS)

Se presenta al personaje de la cabeza a la cintura(un poco arriba o abajo). Es un plano “neutral”, ni tan dramático como un close up ni tan distante como un long shot. Por eso es uno de los planos más usados.

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6. Medium Close Up (MCU)

Cuando se encuadra al personaje desde la mitad del pecho hasta arriba de su cabeza se le llama medium close up. Se usa para disminuir las distracciones del entorno y enfocarnos más en detalles del rostro del personaje pero sin perder su lenguaje corporal.

7. Close Up (CU)

En pantalla se observa únicamente el rostro del personaje. Es el plano más poderoso para resaltar un cambio de emoción y dramatismo dentro de la película. Se trata de que el espectador empatice con el personaje en momentos clave.

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“Her” – Dir. Spike Jonze (2013)

“El resplandor” – Dir. Stanley Kubrick (1980)

8. Extreme Close Up (ECU)

Se concentra en una parte específica del sujeto. Pueden ser los ojos, las orejas o la nariz. Sin embargo, casi siempre se enfoca en los ojos. Es el plano más potente para enfatizar detalles.

“Fight Club” – Dir. David Fincher (1999)

Pero cuando se necesita resaltar la importancia de un objeto en escena se utiliza el insert.Es un extreme close up pero de un elemento fuera del personaje.

“Inception” – Dir. Christopher Nolan (2010)